La imagen alucinante:
La década de los 60's estuvo signada por la rebeldía en varios planos del orden social, el económico, el cultural y el militar.En el ámbito cultural, irrumpe con gran fuerza el uso de drogas alucinógenas como el LSD, droga que existía desde 1938, pero que encuentra en la contracultura un fértil campo para desarrollarse.Timothy Leary y Aldous Huxley entre otros, proponen el consumo de esta droga alucinógena.También coincide con esta década, el recrudecimiento de la guerra en Vietnam y la participación de lleno de los EEUU en este conflicto. Es en este momento que surge la contracultura y el movimiento " hippie" como una respuesta de la juventud al " stablishment " .En el económico, la publicidad, que había venido ganando terreno a lo largo del siglo XX, explota con fuerza inusitada gracias al advenimiento de la televisión, que se había popularizado desde la década de los 50's, pero que solamente hasta 1965, logra emitir una señal a color con aceptación del público y de los estudios de televisión.
El mundo entonces deviene en una plétora de imágenes sin parangón en la historia. La sociedad de consumo, que también se había anunciado unas décadas atrás, se convierte en el paradigma cultural que definiría el resto del siglo XX. Es a partir de la Segunda Guerra Mundial, en la década de los 50, cuando la producción cobró una gran importancia, contribuyendo a aumentar las necesidades individuales.Se da entonces un cambio estructural de un capitalismo primitivo de producción de bienes, a un neo capitalismo que produce objetos y servicios que apelan más al deseo que a la necesidad.
Distancia emocional
En la sociedad postindustrial, el crecimiento económico va de la mano con la publicidad: la imagen es el aliado indispensable para crear ficciones, necesidades inexistentes y mundos anhelados.En las artes visuales, el expresionismo abstracto se había instaurado a ambos lados del Atlántico, en figuras como la de Pollock en EEUU o Pierre Alechinsky en Francia.Empero, la avalancha mediática que trajo la publicidad, lo cambió todo: la abundancia y la producción sin fin de productos y objetos, vendrían a constituirse en el rasgo más sobresaliente.Se impuso,sobre el subjetivismo del expresionismo abstracto, una despersonalización y un distanciamiento emocional.
Los objetos devinieron en signos que nos definían, y los mensajes que enviaba la publicidad, en significantes que nos motivaban (in)conscientemente a consumir.
Cuando se piensa en Arte Pop, de inmediato surge en nuestra mente la imagen de una lata de sopas Campbell, Marilyn Monroe, la de Elvis o decenas de botellas de Coca Cola.Esta tendencia en las artes visuales del siglo XX, está dominada por la presencia de imágenes tanto del consumo ( sopas Campbell) como del entretenimiento ( Elvis y Marilyn).La ruptura que plantea el Pop con respecto a los artistas y el movimiento que le precedieron, es radical: se trata de una propuesta impersonal y de un regreso a la figuración que solo se había dado a lo largo del siglo XX con el surrealismo y el expresionismo alemán.Fuera de estas tendencias, la ruta del arte moderno había estado marcada por la abstracción, defendida a capa y espada por Clement Greenberg. Así que el regreso a la figuración que establece el arte Pop, se podría considerar la revolución más importante en las artes visuales de la segunda mitad del siglo XX, pués a partir de este momento van a coexistir alternativamente, figuración y abstracción.
Arte semántica
Los " temas" que aborda el arte Pop no reflejan por sí mismos, nada de los sentimientos o las ideas del artista.A lo sumo, algunos como Robert Indiana, se limitan a dar forma física a algunos anhelos y visiones de esta época ( su emblemática escultura LOVE es un claro ejemplo).En su mayoría,los artistas toman sus temas directamente de los medios de comunicación : televisión, prensa, revistas, cine etc.En su momento, hace poco más de 50 años, la tendencia general fue la de interpretar de manera simplista el concepto del Pop como una oda al consumismo o la celebridad.No obstante esta tendencia dominante, algunos visionarios como el argentino Oscar Masotta ( 1930-1979) supieron ver en el Pop, una correlación histórica con otros campos del quehacer humano, por ejemplo el de la semiótica.El término " arte semántica", que tuvo muy poca difusión en su momento, es uno que se desprende de la lectura que hizo Masotta en los sesenta del Pop. A diferencia de la abrumadora mayoría de críticos y estudiosos, que veían en el Pop un arte en el que no había nada que interpretar o descifrar, pues utilizaba imágenes " requete conocidas" ( Romero Brest), Masotta propone que una obra pop nos coloca no ante una imagen sino ante un signo. La intención pop consistiría en traer a primer plano la “estructura” (relación lógica entre signos), para llevar a segundo plano la “forma”( la lata Campbell o a Marilyn).En ese punto, lo que provoca la obra de un Warhol es “una ruptura no tanto en el mundo como en el sujeto, entre la percepción y la conciencia de un sujeto tocado por una imagen” (Hal Foster: El retorno de lo real)
Es fundamental entonces comprender, cómo el Pop no fué necesariamente un espejo anodino que reflejaba la sociedad de consumo de hace 50 años.Los artistas producen símbolos ( una categoría de signo) no cosas. No olvidemos que el símbolo es una relación injustificada entre signo y objeto: el símbolo existe porque hay una MENTE que usa y comprende símbolos.Sin esta mente, no existiría tal conexión.En el caso del Pop serían los símbolos que están fuera de la pintura y del " high art": los productos visuales de la sociedad de la información y la cultura de masas.
Los artistas Pop se apropiaron de ciertos sistemas simbólicos instalados en su tiempo, no para representan la realidad, sino para representar lo representado.Es esta redundancia lo que conecta mucho del arte contemporáneo con el arte Pop ( en el tanto que mucho arte contemporáneo es una re interpretación o inclusive,una apropiación paródica de estilos, lenguajes y tendencias ).
Vigencia
A partir del próximo 18 de Febrero se exhibirá en Avenida Escazú, en el 101 de la Torre Lexus la colección de arte Pop de la fundación Ortiz Gurdián.Se trata de unas 80 piezas en papel ( obra gráfica) firmada por artistas de la talla de Andy Warhol, Roy Lichtenstein o Robert Indiana.Acompañando estas obras, el proyecto Valoarte curó una muestra con artistas residentes en Costa Rica cuya base discursiva está arraigada en las premisas del Pop.Será una ocasión para constatar la vigencia de un movimiento que se revitaliza con cada generación.
